Unter dem Titel „Thresholds“ erzählt der Beitrag für den Deutschen Pavillon zur Kunstbiennale in Venedig 2024 Geschichte und Zukunft aus der Perspektive verschiedener künstlerischer Positionen.

„Thresholds“ steht für die Gegenwart als Schwelle – ein Ort, an dem niemand bleiben kann und den es nur gibt, weil etwas war und wenn etwas sein wird. Für Menschen, deren Biografie von Migration geprägt ist, geht die zeitliche Wahrnehmung der Gegenwart als Schwelle zusätzlich mit der räumlich-körperlichen Grunderfahrung eines Lebens auf der „Schwelle“ zwischen Zugehörigkeiten einher.

Der künstlerische Beitrag für den Deutschen Pavillon sucht in drei Szenarien den Umgang mit Schwellen, Stufen und Grenzen.
Yael Bartana entwirft Möglichkeiten eines zukünftigen Überlebens zwischen Dystopie und Utopie. Ersan Mondtag beschäftigt sich mit der Frage, was passieren würde, wenn es möglich wäre, vergangene Epochen als Lebensräume wieder aufleben zu lassen, und setzt dem monumentalen Charakter des Pavillons eine fragmentarische, scheinbar kleine Erzählung entgegen.

In einer Kollaboration zwischen dem Regieduo und zwei italienischen Kriegsfotograf*innen begibt sich der Fotofilm auf eine Reise durch deren Archive, die Kriege und Katastrophen weltweit dokumentieren.

In welchem Verhältnis stehen Zeuge und Zeugnis in Abbildungen der Katastrophe?

In ihrem Fotoatelier mit Blick auf den Vesuv und das Meer vor Neapel betrachten eine Kriegsfotografin und ein Kriegsfotograf in der Mitte ihrer Laufbahn rückblickend ihre Fotos aus weltweiten Krisengebieten. Die Corona-Pandemie verhindert ihre geplanten Reisevorhaben ins Ausland und hält sie in ihrer Heimatstadt fest. In ihren Erinnerungen kehren sie an die Orte ihrer Fotografien zurückkehren und berichten von deren Entstehungskontext.

Der Film nutzt diesen unerwartet kontemplativen Moment in einer von Geschwindigkeit bestimmten Medienwelt, um gemeinsam mit den Fotograf*innen ihre bisherigen Arbeiten zu betrachten und dabei die aktuelle Krise des fotojournalistischen Bildes zu reflektieren.

Die rumänische Künstlerin Adina Pintilie zeigt in ihren multimedialen Installationen Intimität aus der Perspektive diverser, nicht normativer Menschen und untersucht, wie wir uns zu unseren eigenen und den Körpern anderer verhalten.

Adina Pintilie wurde 1980 in Bukarest geboren und lebt heute dort und in Hamburg, wo sie seit Herbst 2022 an der Hochschule für Bildende Künste die Professur für Dokumentarfilm innehat. Mit ihren vier im Württembergischen Kunstverein Stuttgart ausgestellten Installationen stellt sie sich gegen das weltweite Wiederaufleben von Haltungen und Handlungen, die nicht-normativen Körpern mit Ablehnung, psychischer und physischer Gewalt begegnen.

Erstmals öffentlich sichtbar wurde dieses Langzeitprojekt Pintilies, als ihr Film „Touch Me Not“ 2018 den Goldenen Bären der Berlinale erhielt, vier Jahre später wurde der Film für den Rumänischen Pavillon der 59. Biennale von Venedig in eine mehrteilige Ausstellungsinstallation integriert, was die Künstlerin als Befreiungsschlag von den Konventionen des Films empfand.

Was geschieht mit uns, wenn nicht mehr wir Menschen im Zentrum stehen, sondern die Interaktion von Mensch, Tier und Natur? Welche hybriden Lebensformen entstehen? Wie könnte eine Zukunft aussehen, in der sie miteinander verschmelzen?

Diesen Fragen geht „Bodies Under Influence“ nach: Auf vier Kanälen oszilliert eine Soundinstallation zwischen Rhythmen und dissonanten und harmonischen Elementen, während Tänzer*innen in Motion-Capture-Anzügen eine Reihe von Transformationen performen. Durch die Virtual Reality-Brillen, mit denen das Publikum sich durch den Raum bewegt, verschmelzen physisches und virtuelles Erleben:

Tiere, Pflanzen, Mikroorganismen, Zellformationen und Wasserpartikel interagieren mit den Anzügen der Tanzenden, hybride Lebensformen und -welten entstehen vor den Augen der Zuschauer*innen. Reale und virtuelle Körper verschmelzen in Echtzeit miteinander, bislang utopische Begegnungen von Mensch, Tier und Natur spielen sich ab. So inspiriert die Performance zu einem veränderten Umgang mit der Um- und Mitwelt.

Wie klingt die schmelzende Arktis? Das Klangobjekt „klimaton ARCTIC≈2020“ übersetzt wissenschaftliche Messergebnisse in Sound und schafft so ein großformatiges Porträt dieser schwindenden Landschaft.

Die Entwicklung des „klimaton ARCTIC≈2020“ basiert auf der größten wissenschaftlichen Datensammlung innerhalb einer Region der Erde, die je angelegt wurde. Bei der Arktis-Expedition „MOSAiC“, an der Wissenschaftler*innen aus 20 Nationen beteiligt waren, wurden 2019-20 Daten in der Nordpolarmeerregion gesammelt.

Um diese abstrakten wissenschaftlichen Daten und somit den Klimawandel greifbarer zu machen, hat das Künstler*innenduo Adnan und Nina Softić gemeinsam mit den Komponisten Daniel Dominguez Teruel und Thies Mynther, der Performerin Mateja Meded sowie Dramatikerin Sivan Ben Yishai und Schriftstellerin Heike Geißler eine Performance mit Texten und Klangkompositionen entwickelt.

Im Rahmen des Internationalen Sommerfestivals 2023 auf Kampnagel tritt der libanesisch-amerikanische Künstler Walid Raad in einen Dialog mit der Sammlung der Hamburger Kunsthalle und untersucht den Einfluss gesellschaftspolitischer und wirtschaftlicher Faktoren darauf.

In „Cotton Under My Feet“ nimmt Walid Raad mit seinen künstlerischen Interventionen Bezug auf die Sammlung des Museums und verbindet beide, die eigenen Arbeiten und deren Referenzen vor Ort, in einer großen Erzählung über die mythische Dimension von Kunst und Ökonomie, globale Zusammenhänge und die Sammlung selbst.

Raad stellt aber nicht nur aus, sondern führt auch in einer 60-minütigen Live-Performance durch das Museum. Museumsbesucher*innen, die nicht daran teilnehmen können, haben die Möglichkeit, mit einem Audioguide selbstständig durch die Kunsthalle zu gehen und mehr über die Verortung von Raads Arbeiten im Kontext der Sammlung zu erfahren.

In ihrer Ausstellung „I do You“ entlarvt die Künstlerin Monica Bonvicini in der Neuen Nationalgalerie die der Architektur eingeschriebenen Gesellschaftsordnungen und Geschlechterverhältnisse und destabilisiert sie mittels ihres „feministischen Vandalismus‘“.

Mit „I do You“ widmet die Neue Nationalgalerie Berlin der Künstlerin Monica Bonvicini eine Einzelausstellung und zeigt neue, architektonische site-specifics, skulpturale Objekte, performative und klangliche Arbeiten sowie eine Auswahl aus ihrem internationalen Oeuvre.

Bonvicinis Hauptaugenmerk liegt auf den oft übersehenen, verdeckten Mechanismen der westlichen Moderne: Sie legt deren sexuelle Einschreibungen und die damit einhergehenden Mythisierungen offen, greift die chauvinistische Vormachtstellung an, die sich in der Architektur vielfach widerspiegelt, und will diese Räume zurückgewinnen und neu besetzen. So vollzieht Bonvicini auch mit ihrer Installation in der Neuen Nationalgalerie eine feministische Aneignungsgeste dieses von Mies van der Rohe konzipierten Raumes.

Die Produktion „Der Wij“ des Thalia Theaters ist eine unwahrscheinliche Geste der Versöhnung: Mit ukrainischen, russischen und deutschen Künstler*innen bringt der dissidente russische Regisseur Kirill Serebrennikov ein Anti-Kriegsstück auf die Bühne.

Kirill Serebrennikov treibt die Überzeugung an, dass auch in Zeiten des Krieges der Glaube an Freiheit und demokratische Werte die verschiedenen Parteien verbinden kann, und hat neben deutschen auch Künstler*innen aus der Ukraine und Russland für seine Produktion „Der Wij“ gewonnen. Gemeinsam bearbeiten sie die gleichnamige ukrainische Volkssage, die der ebenfalls ukrainische Nikolaj Gogol 1835 verschriftlicht hat. Sie handelt von dem bösen Erdgeist Wij, dessen destruktive Magie sich gegen alle Vernunft durchsetzt und dunkle Macht über das Leben der Menschen ausübt.

Diesen Stoff holt Serebrennikov in die Gegenwart: Bei ihm ist der Wij die Inkarnation des Krieges, und wo in Gogols Text die böse Gestalt gebannt werden soll, fragt Serebrennikov, inwiefern Kunst und Poesie auch in

Die Inszenierung „Werwolfkommandos“ verbindet Theater mit politischem Engagement und gibt Einblicke in die juristische Aufarbeitung rechtsextremistischer Straftaten.

Für die Erarbeitung des Stücktexts für „Werwolfkommandos“ werden die junge Regisseurin Marie Schwesinger und ihr Team zu zivilen Prozessbeobachter*innen: Im Gerichtssaal verfolgten sie die Verhandlungen zur Ermordung des CDU-Politikers Walter Lübcke und den Prozess gegen den ehemaligen Oberleutnant Franco A.; ihm wird vorgeworfen, Terroranschläge auf Politiker*innen geplant zu haben. Auf Basis der eigenen Mitschriften und journalistischer Berichterstattung untersucht das künstlerische Team die Sprache in den Verhandlungen und fragt, welche Verbindungslinien sich zwischen den Prozessen ziehen lassen: Wie stellen sich die Angeklagten selbst dar, wo erhalten Opfer und Betroffene eine Stimme und inwiefern lassen sich historische Verknüpfungen von Motiven, Argumentationen und Denkmustern finden? Ziel ist es, den meist männlichen Tätern und ihren rechten Positionen

In „Auto-Fiktion: Der Struggle so Real“ nimmt die Tänzerin und Choreografin Verena Brakonier das Publikum mit an einen prägenden Ort ihrer Kindheit: In einer Autowerkstatt zeigt sie, wie ihre Herkunft ihren Weg beeinflusst hat und stellt sich klassistischer Diskriminierung entgegen.

Verena Brakonier ist Tänzerin; und hat einen Großteil ihrer Kindheit in der Autowerkstatt ihres Vaters verbracht. In ihrer Soloperformance „Auto-Fiktion: Der Struggle so Real“ kehrt sie zurück an diesen Erinnerungsort, um sich tänzerisch und erzählend mit ihren Wurzeln auseinanderzusetzen. Spielerisch, humorvoll und vor allem kritisch zeigt sie, wie sich Herkunft auf den Körper, auf die Bewegungen und den Werdegang auswirkt. Zwischen Hebebühne, Reifen und Schweißgerät verhandelt die Künstlerin auf diese Weise Klassismus – die Diskriminierung aufgrund der sozio-ökonomischen Herkunft – und den Einfluss der Klassenposition auf die Gesellschaft und auf sie persönlich.

In der künstlerischen Umsetzung arbeitet Brakonier mit Brüchen zwischen