Mit „Kunst und Journalismus“ starten das Schauspiel Köln und das gemeinwohlorientierte Medienhaus CORRECTIV eine langfristige Kooperation, die das Potenzial beider Disziplinen für ein zeitgenössisches, faktenbasiertes Erzählen nutzt. Es entsteht ein Laboratorium, in dem Künstler*innen und Journalist*innen gemeinsam neue Formen des dokumentarischen und recherchebasierten Theaters erproben. Bereits in der Spielzeit 2025/26 entstehen fünf Inszenierungen, die investigative Stoffe in eigenständige theatralische Perspektiven übersetzen.

Die Zusammenarbeit reagiert auf eine gesellschaftliche Situation, in der Informationen zwar jederzeit verfügbar sind, ihre Bedeutung aber in der Schnelllebigkeit digitaler Aufmerksamkeit oft verloren geht. Auf der Bühne hingegen können Faktenästhetisch transformiert und erfahrbar werden. Intendant Kay Voges beschreibt das Theater als einen Raum, in dem „Wirklichkeit konstruiert, wahrhaftig befragt und in ihrer Mehrdeutigkeit erfahrbar“ wird. Die Recherchen von CORRECTIV dienen dabei als künstlerisches Ausgangsmaterial.

Im Rahmen der Kooperation soll ein Thinktank von Journalist*innen und Künstler*innen entstehen. Hier werden Recherche, künstlerische Praxis und dokumentarische Ästhetik zusammengeführt, um neue Ausdrucksformen zu entwickeln. Neben recherchebasierten Bühnenarbeiten werden Erfahrungen und Wissen in Workshops geteilt. Zudem entsteht eine Quartalsschrift, die sich mit Fragen künstlerischer Methoden, ästhetischer Übersetzungen und den Möglichkeiten befasst, wie Kunst und Recherche einander produktiv ergänzen können.

Wir engagieren uns für das Projekt, weil die Verbindung von Theater und Journalismus neue Zugänge zu gesellschaftlichen Themen eröffnet. Beide Felder verfügen über eigene Formen der Recherche und Vermittlung; gemeinsam können sie unterschiedliche Perspektiven zusammenführen und neue Ansätze im Umgang mit komplexen Fragen erproben. Uns überzeugt der Anspruch, Recherche, künstlerische Methode und dokumentarische Ästhetik zu verbinden und Formate zu entwickeln, die sowohl analytisch präzise als auch ästhetisch zugänglich sind.

Mit „Ruin“ verwandeln Sung Tieu und Henrike Naumann den Deutschen Pavillon der Biennale di Venezia 2026 in einen Raum, in dem Geschichte materiell spürbar wird. Kuratiert von Kathleen Reinhardt, verbindet der Beitrag persönliche Erinnerungen, politische Brüche und architektonische Spuren zu einer vielschichtigen Auseinandersetzung mit deutscher Gegenwart und ihren historischen Kontinuitäten.

Ausgangspunkt ist die Frage, wie politische Gewalt, gesellschaftliche Verunsicherung und autoritäre Dynamiken in Räume, Bilder und Alltagsästhetiken eingeschrieben bleiben. Dabei arbeiten beide Künstlerinnen mit historischen Spuren, persönlichen Erinnerungen und architektonischen Fragmenten, um Gegenwart nicht als abgeschlossene Gegenwart, sondern als Fortsetzung vergangener Konflikte sichtbar zu machen. „Ruin“ beschreibt deshalb nicht nur den Verfall von Gebäuden, sondern auch politische und gesellschaftliche Brüche, deren Folgen bis heute fortwirken.

Sung Tieu überzieht die monumentale Architektur des Pavillons mit der Fassade eines ehemaligen DDR-Plattenbaus in der Berliner Gehrenseestraße. Der Wohnkomplex war eines der größten Wohnheime für Vertragsarbeiter*innen der DDR und zeitweise auch ihr eigenes Zuhause. Heute wird die Anlage abgerissen. In Venedig entsteht sie als großformatiges Mosaik neu und verbindet Fragen von Migration, Erinnerung, Überwachung und Verdrängung mit der Geschichte des Deutschen Pavillons selbst.

Im Inneren des Pavillons entwickelt Henrike Naumann mit Möbeln, Gardinen, Wandfarben und Interieurs eine installative Auseinandersetzung mit gesellschaftlicher Militarisierung, rechter Gewalt und ostdeutscher Transformationsgeschichte.

In der Literaturreihe Umbrüche laden Deniz Utlu und Sasha Marianna Salzmann internationale und deutschsprachige Autor*innen ins Nachtasyl des Thalia Theaters ein. In Lesungen und Gesprächen untersuchen sie, wie Literatur politische, soziale und persönliche Veränderungen aufnimmt und in Sprache übersetzt.

Wie verändert sich das Schreiben, wenn vertraute Gewissheiten ins Wanken geraten? Dieser Frage widmen sich die eingeladenen Autor*innen anhand ihrer aktuellen Werke. Sie lesen aus ihren Büchern, sprechen über ihre Themen und Arbeitsweisen und erläutern, wie gesellschaftliche Erfahrungen in literarische Formen eingehen. So wird nachvollziehbar, wie Literatur Veränderungen nicht nur beschreibt, sondern ordnet, verdichtet und aus unterschiedlichen Perspektiven erfahrbar macht.

Die Reihe bringt Autor*innen mit verschiedenen biografischen, sprachlichen und politischen Erfahrungen zusammen. Ihre Texte befassen sich unter anderem mit Migration, Gewalt, gesellschaftlichen Machtverhältnissen, persönlichen Verlusten und politischen Umbrüchen. Im Gespräch werden diese Perspektiven miteinander in Beziehung gesetzt, ohne Widersprüche aufzulösen oder auf einfache Deutungen zu verkürzen.

Wie innovative Konzertformate in der Praxis aussehen können, zeigt das Ensemble Resonanz seit vielen Jahren mit seiner experimentellen Reihe urban string, in der es Kammermusik und Clubkultur fusioniert. Das international renommierte Kammerorchester verbindet hohe künstlerische Qualität mit der konsequenten Arbeit an neuen Aufführungsformen.

Mit der Konzertreihe „urban string“ holt das Ensemble Resonanz klassische Musik in das urbane Nachtleben. Mitten im Hamburger Bezirk St. Pauli präsentieren die Musiker*innen mit jeder Ausgabe ein eigens entwickeltes Programm und spannen dabei den Bogen vom klassischen Repertoire über Werke des 20. Jahrhunderts bis hin zu zeitgenössischen Kompositionen.

Die Moderation übernehmen die Musiker*innen selbst und setzen so den thematischen Rahmen. Kooperationen mit DJs und Künstler*innen anderer Sparten bauen weitere Brücken und prägen die Atmosphäre von „urban string“ als künstlerisches Labor. Ziel der Konzertreihe ist es, klassische Musik zugänglicher zu machen und in den Stadtteil zu integrieren. 2016 wurde das Format mit dem Innovation Award der Classical Next ausgezeichnet.

Das Ensemble Resonanz zählt zu den führenden Kammerorchestern

weltweit. Seit 2017 hat das demokratisch organisierte Streichorchester eine Residenz in der Elbphilharmonie. Mit dem Format „urban string“ beschreiten die Musiker*innen neue Wege, um ein heterogenes und vornehmlich junges Publikum zu erreichen. Damit steht die Reihe für Offenheit und Mut. Diese Experimentierfreude gepaart mit dem hohem künstlerischem Niveau überzeugen uns.

Der mexikanisch-amerikanische Fotograf Philip Montgomery zählt zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Fotojournalismus in den USA. In seinen Schwarzweißserien verdichtet er gesellschaftliche, politische und ökologische Konflikte zu eindringlichen Bildkompositionen.

Nun zeigt das PHOXXI – das temporäre Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg – seine erste große institutionelle Einzelausstellung in Europa. Montgomery dokumentiert seit über einem Jahrzehnt soziale Ungleichheit, strukturellen Rassismus, Naturkatastrophen und politische Polarisierung. Ikonisch wurden seine Fotografien der Black-Lives-Matter-Proteste nach der Ermordung von George Floyd, ebenso wie seine Serien zur Opioidkrise oder zu den Folgen extremer Wetterereignisse. Seine Arbeiten erscheinen regelmäßig in The New York Times Magazine, The New Yorker und Vanity Fair.

Die Ausstellung American Cycles versammelt rund 100 Fotografien aus den vergangenen zehn Jahren – darunter bekannte Auftragsarbeiten ebenso wie bislang unveröffentlichte Bilder.

Indem Montgomery individuelle Lebenssituationen mit übergeordneten gesellschaftlichen Dynamiken verknüpft, entsteht ein komplexes Porträt der Vereinigten Staaten im Wandel. Seine Fotografien zeigen Protestbewegungen, verletzliche Alltagsmomente, religiöse Gemeinschaften, politische Ränder und Menschen, die unmittelbar von ökonomischen oder ökologischen Krisen betroffen sind.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Montgomerys Bilder im Spannungsfeld von dokumentarischer Beobachtung und künstlerischer Interpretation zu lesen. So eröffnet Montgomerys Werk einen präzisen Blick auf jene Schnittstelle, an der sich dokumentarischer Journalismus und künstlerische Praxis begegnen.

FRAMING the REPERTOIRE lädt das Publikum der Staatsoper Hamburg ein, bestehende Inszenierungen aus heutiger Perspektive neu zu betrachten. Die Programmlinie versteht das Opernrepertoire als lebendigen Erfahrungs- und Reflexionsraum, in dem historische, ästhetische und gesellschaftliche Perspektiven aufeinandertreffen.

Im Mittelpunkt steht die Frage, wie Inszenierungen, die teilweise vor vielen Jahren entstanden sind, heute gelesen und kontextualisiert werden können. Repertoireproduktionen werden dabei als Kunstformen eigenen Rechts begriffen, deren Bedeutung sich mit den Erfahrungen und Fragestellungen jeder Gegenwart verändert. So lassen sich sowohl die historischen Dimensionen einer Produktion als auch ihre Wirkung auf ein heutiges Publikum neu erschließen.

Rund um ausgewählte Wiederaufnahmen entfaltet FRAMING the REPERTOIRE ein vielfältiges Begleitprogramm. Gespräche, Vorträge und künstlerische Interventionen eröffnen neue Perspektiven auf Werk, Regie und Aufführungsgeschichte.

TONALi entwickelt Konzertformate, die Musiker*innen, Publikum und Stadtraum miteinander verbinden. So entstehen neue Zugänge zur klassischen Musik und Formen der Teilhabe, die das Konzert neu denken.

Die Hamburger Kultur und Bildungsinitiative verfolgt seit 2010 das Ziel, klassische Musik als offene Kunstform weiterzuentwickeln. Dabei geht es nicht nur um neue Formate, sondern auch um die Frage, wer an ihrer Entstehung beteiligt ist. TONALi bindet deshalb Musiker*innen, junge Menschen und Publikum aktiv in die Gestaltung des Konzertlebens ein.

In der TONALi Akademie entwickeln internationale Nachwuchsmusiker*innen eigene künstlerische Konzepte und verbinden ihre musikalische Arbeit mit Vermittlung, Organisation und gesellschaftlicher Verantwortung. Die Publikumsakademie beteiligt Hamburger Schüler*innen an der Entwicklung und Umsetzung von Konzerten. Beide Programme schaffen einen gemeinsamen Lernraum, in dem junge Menschen Verantwortung übernehmen und klassische Musik aus unterschiedlichen Perspektiven mitgestalten.

Mit dem Kunstschutzgebiet trägt TONALi diesen Ansatz in den Stadtraum. Rund um den Campus in Hamburg entstehen Orte, an denen Nachbarschaft, Jugendliche, Musiker*innen und Publikum zusammenkommen. Auch das TONALi Festival verbindet künstlerische Qualität mit gesellschaftlicher Teilhabe und zivilgesellschaftlichem Engagement.

TONALi verbindet Nachwuchsförderung und künstlerische Entwicklung mit Vermittlung und gesellschaftlicher Verantwortung. Durch interdisziplinäre Formate, die Öffnung in den Stadtraum und die aktive Beteiligung junger Menschen entstehen neue Perspektiven für das klassische Konzert und ein vielfältiges Publikum.

„Um alles in der Welt“: Die Lessingtage haben sich längst zu einem international renommierten Festival entwickelt, das mit künstlerischen Mitteln über die zentralsten Fragen des Weltgeschehens diskutiert.

Kulturelle Identität, religiöse Diversität, die Klimakrise, Einwanderung oder Weltbürgertum – mit den Lessingtagen richtet das Thalia Theater seit 2010 jedes Jahr seinen Fokus auf aktuelle weltpolitische und gesellschaftliche Diskurse und nähert sich diesen aus transkultureller, interdisziplinärer Perspektive. Gerade jetzt, in Zeiten zunehmender welt- und gesellschaftspolitischer Spannungen setzen die Lessingtage, ganz im Sinne ihres Namensgebers, auf das verbindende Toleranzangebot der Aufklärung. Teil des Programms sind neben internationalen Gastspielen und Eigenproduktionen auch Ausstellungen, Diskussionen und Lesungen. Fest integriert ist zudem die „Lange Nacht der Weltreligionen“ sowie die Festivaleröffnung durch bedeutende engagierte Persönlichkeiten.

Die Lessingtage verhandeln von Jahr zu Jahr auf künstlerische Weise das, was die Welt über den eigenen Horizont hinaus beschäftigt. Außerdem dient das Festival immer wieder zum Anlass, Werte oder Aussagen (deutscher) Klassiker in die heutige Zeit zu übertragen und Denkanstöße hin zu einer offenen, komplexen Gesellschaft zu geben. Mit den Lessingtagen fördern wir die Vision, einer Zeit voller Disruptionen das Prinzip der Kontinuität entgegenzustellen und Grenzen zu überqueren – seien es Grenzen zwischen Ländern, Generationen oder Ideologien und ästhetischen Handschriften.

Der Hashtag #IchBinArmutsbetroffen gibt 17% der deutschen Bevölkerung eine Stimme. In seiner neuen Inszenierung nimmt Helge Schmidt die Problematik in den Blick.

Seit einigen Jahren ist die Armut in Deutschland auf hohem Niveau stabil, während gleichzeitig ausgerechnet die Kinderarmut weiter ansteigt. Arme Kinder haben geringere soziale und berufliche Aufstiegschancen – wer arm ist, bleibt zumeist arm. Auch andere marginalisierte Bevölkerungssegmente sind überproportional von Armut betroffen. Dies betrifft zum Beispiel Geflüchtete, aber auch immer noch Ostdeutsche wie auch Menschen, die sich in der Pflege von Angehörigen engagieren (müssen) – und Frauen, vor allem alleinerziehende. Seit dem 12.5.2022 gibt es den Hashtag #IchBinArmutsbetroffen, unter dem sich mittlerweile eine basisdemokratische Graswurzel-Bewegung subsummiert.

Helge Schmidts Inszenierung nähert sich diesem Thema aus zwei Richtungen: Zum einen basiert der Stücktext auf Biografien und Alltagserfahrungen von zehn Aktivist*innen der #armutsbetroffen-Bewegung. Auf der Bühne schneiden drei Schauspielerinnen diese Positionen mit Literatur und wissenschaftlichen Texten zu Armut und Intersektionalität gegen. So entsteht eine auch humorvolle Inszenierung, die Betroffene sichtbar, nicht aber betroffen machen will.

Die Konferenzreihe BURNING ISSUES setzt sich für gerechtere und vielfältigere Strukturen in der Theaterlandschaft ein.

BURNING ISSUES ist Netzwerk- und Austauschplattform: Die dreitägige Veranstaltung bringt Künstler*innen aller Sparten mit Kultur- und Medienschaffenden sowie Studierenden zusammen, um über Themen wie Gleichstellung, Diversität und Inklusion im Dialog der Generationen zu diskutieren. In Panels, Workshops, Keynotes, Performances und künstlerischen Interventionen werden geschlechterspezifische Hierarchien auf und hinter der Bühne durchleuchtet und die Sensibilität für Gleichstellung gesteigert.

Wichtiges Element der Veranstaltung ist der Markt der Möglichkeiten: Hier stellen Initiativen und Verbände ihre Arbeit vor, mit der sie sich für den Strukturwandel in der Kultur- und Theaterlandschaft stark machen. Es gilt, mit gebündelten Kräften konkrete Veränderung zu bewirken.

2019 fand die bundesweite Konferenz im Rahmen des Berliner Theatertreffens statt, 2020 folgte die Kooperation mit Kampnagel in Hamburg. Nachdem die Veranstaltung 2021 coronabedingt ausfallen

musste, kehrt sie 2022 zum Theatertreffen zurück. Dabei öffnet die aktuelle Ausgabe den inhaltlichen Schwerpunkt von der Gleichstellung hin zu einer globaler gefassten Gerechtigkeit und fragt, welche nachhaltigen Veränderungen ein gerechtes Theater auf und hinter der Bühne ermöglichen. Die siebte und angesichts der angespannten Fördersituation vorerst letzte Ausgabe im Jahr 2025 zeigte, wie unverzichtbar Orte der Solidarität in herausfordernden Zeiten sind.

Deutschland liegt in puncto Gleichstellung nach wie vor weit zurück. Weil die Veranstaltung einen wichtigen Beitrag in der Debatte um Gendergerechtigkeit in der Theaterlandschaft leistet und für Kultur- und Medienschaffende zu einem richtungsweisenden Kompass geworden ist, fördern wir BURNING ISSUES.