Mit „Kunst und Journalismus“ starten das Schauspiel Köln und das gemeinwohlorientierte Medienhaus CORRECTIV eine langfristige Kooperation, die das Potenzial beider Disziplinen für ein zeitgenössisches, faktenbasiertes Erzählen nutzt. Es entsteht ein Laboratorium, in dem Künstler*innen und Journalist*innen gemeinsam neue Formen des dokumentarischen und recherchebasierten Theaters erproben. Bereits in der Spielzeit 2025/26 entstehen fünf Inszenierungen, die investigative Stoffe in eigenständige theatralische Perspektiven übersetzen.

Die Zusammenarbeit reagiert auf eine gesellschaftliche Situation, in der Informationen zwar jederzeit verfügbar sind, ihre Bedeutung aber in der Schnelllebigkeit digitaler Aufmerksamkeit oft verloren geht. Auf der Bühne hingegen können Faktenästhetisch transformiert und erfahrbar werden. Intendant Kay Voges beschreibt das Theater als einen Raum, in dem „Wirklichkeit konstruiert, wahrhaftig befragt und in ihrer Mehrdeutigkeit erfahrbar“ wird. Die Recherchen von CORRECTIV dienen dabei als künstlerisches Ausgangsmaterial.

Im Rahmen der Kooperation soll ein Thinktank von Journalist*innen und Künstler*innen entstehen. Hier werden Recherche, künstlerische Praxis und dokumentarische Ästhetik zusammengeführt, um neue Ausdrucksformen zu entwickeln. Neben recherchebasierten Bühnenarbeiten werden Erfahrungen und Wissen in Workshops geteilt. Zudem entsteht eine Quartalsschrift, die sich mit Fragen künstlerischer Methoden, ästhetischer Übersetzungen und den Möglichkeiten befasst, wie Kunst und Recherche einander produktiv ergänzen können.

Wir engagieren uns für das Projekt, weil die Verbindung von Theater und Journalismus neue Zugänge zu gesellschaftlichen Themen eröffnet. Beide Felder verfügen über eigene Formen der Recherche und Vermittlung; gemeinsam können sie unterschiedliche Perspektiven zusammenführen und neue Ansätze im Umgang mit komplexen Fragen erproben. Uns überzeugt der Anspruch, Recherche, künstlerische Methode und dokumentarische Ästhetik zu verbinden und Formate zu entwickeln, die sowohl analytisch präzise als auch ästhetisch zugänglich sind.

Die experimentelle Konzertreihe des Ensemble Resonanz vereint Kammermusik und Clubkultur.

Mit der Konzertreihe „urban string“ holt das Ensemble Resonanz klassische Musik in das urbane Nachtleben. Mitten im Hamburger Bezirk St. Pauli präsentieren die Musiker*innen mit jeder Ausgabe ein eigens entwickeltes Programm und spannen dabei den Bogen vom klassischen Repertoire über Werke des 20. Jahrhunderts bis hin zu zeitgenössischen Kompositionen.

Die Moderation übernehmen die Musiker*innen selbst und setzen so den thematischen Rahmen. Kooperationen mit DJs und Künstler*innen anderer Sparten bauen weitere Brücken und prägen die Atmosphäre von „urban string“ als künstlerisches Labor. Ziel der Konzertreihe ist es, klassische Musik zugänglicher zu machen und in den Stadtteil zu integrieren. 2016 wurde das Format mit dem Innovation Award der Classical Next ausgezeichnet.

Das Ensemble Resonanz zählt zu den führenden Kammerorchestern

weltweit. Seit 2017 hat das demokratisch organisierte Streichorchester eine Residenz in der Elbphilharmonie. Mit dem Format „urban string“ beschreiten die Musiker*innen neue Wege, um ein heterogenes und vornehmlich junges Publikum zu erreichen. Damit steht die Reihe für Offenheit und Mut. Diese Experimentierfreude gepaart mit dem hohem künstlerischem Niveau überzeugen uns.

Der mexikanisch-amerikanische Fotograf Philip Montgomery zählt zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Fotojournalismus in den USA. In seinen Schwarzweißserien verdichtet er gesellschaftliche, politische und ökologische Konflikte zu eindringlichen Bildkompositionen.

Nun zeigt das PHOXXI – das temporäre Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg – seine erste große institutionelle Einzelausstellung in Europa. Montgomery dokumentiert seit über einem Jahrzehnt soziale Ungleichheit, strukturellen Rassismus, Naturkatastrophen und politische Polarisierung. Ikonisch wurden seine Fotografien der Black-Lives-Matter-Proteste nach der Ermordung von George Floyd, ebenso wie seine Serien zur Opioidkrise oder zu den Folgen extremer Wetterereignisse. Seine Arbeiten erscheinen regelmäßig in The New York Times Magazine, The New Yorker und Vanity Fair.

Die Ausstellung American Cycles versammelt rund 100 Fotografien aus den vergangenen zehn Jahren – darunter bekannte Auftragsarbeiten ebenso wie bislang unveröffentlichte Bilder.

Indem Montgomery individuelle Lebenssituationen mit übergeordneten gesellschaftlichen Dynamiken verknüpft, entsteht ein komplexes Porträt der Vereinigten Staaten im Wandel. Seine Fotografien zeigen Protestbewegungen, verletzliche Alltagsmomente, religiöse Gemeinschaften, politische Ränder und Menschen, die unmittelbar von ökonomischen oder ökologischen Krisen betroffen sind.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Montgomerys Bilder im Spannungsfeld von dokumentarischer Beobachtung und künstlerischer Interpretation zu lesen. So eröffnet Montgomerys Werk einen präzisen Blick auf jene Schnittstelle, an der sich dokumentarischer Journalismus und künstlerische Praxis begegnen.

Der Hashtag #IchBinArmutsbetroffen gibt 17% der deutschen Bevölkerung eine Stimme. In seiner neuen Inszenierung nimmt Helge Schmidt die Problematik in den Blick.

Seit einigen Jahren ist die Armut in Deutschland auf hohem Niveau stabil, während gleichzeitig ausgerechnet die Kinderarmut weiter ansteigt. Arme Kinder haben geringere soziale und berufliche Aufstiegschancen – wer arm ist, bleibt zumeist arm. Auch andere marginalisierte Bevölkerungssegmente sind überproportional von Armut betroffen. Dies betrifft zum Beispiel Geflüchtete, aber auch immer noch Ostdeutsche wie auch Menschen, die sich in der Pflege von Angehörigen engagieren (müssen) – und Frauen, vor allem alleinerziehende. Seit dem 12.5.2022 gibt es den Hashtag #IchBinArmutsbetroffen, unter dem sich mittlerweile eine basisdemokratische Graswurzel-Bewegung subsummiert.

Helge Schmidts Inszenierung nähert sich diesem Thema aus zwei Richtungen: Zum einen basiert der Stücktext auf Biografien und Alltagserfahrungen von zehn Aktivist*innen der #armutsbetroffen-Bewegung. Auf der Bühne schneiden drei Schauspielerinnen diese Positionen mit Literatur und wissenschaftlichen Texten zu Armut und Intersektionalität gegen. So entsteht eine auch humorvolle Inszenierung, die Betroffene sichtbar, nicht aber betroffen machen will.

Sounding Situations untersuchen die Beziehung zwischen dem Mythos um den Komponisten Richard Wagner und der Realität heutiger Kriege anhand der Selbstverortung der Wagner-Gruppe in dessen Narrativen.

Am 23. Juni 2023 unternahm die russische Söldnergruppe Wagner um Jewgenji Prigoschin mit ihrem „Marsch auf Moskau“ einen Putschversuch. Zwei Monate später kam Prigoschin bei einem Flugzeugabsturz auf dem Weg von Moskau nach St. Petersburg ums Leben; mutmaßlich ein Attentat. Die Söldnergruppe nennt sich nach dem deutschen Komponisten, ihre Mitglieder bezeichnen sich selbst als Musiker, ihre Waffen als Instrumente: Krieg ist für sie ein Gesamtkunstwerk.

„Wagner weltweit“ widmet sich der Frage nach der Macht von Kunst, nach ihrer Verantwortung für reale Ereignisse und ihren Möglichkeiten der Einflussnahme – anhand dieses sehr aktuellen Negativbeispiels: Wurde Wagner schon von den Nationalsozialisten instrumentalisiert, erlebt diese Form der (Ver-)Wertung des Komponisten nun bei der russischen Söldnertruppe ein makabres Revival. Handelt es sich um eine Vereinnahmung Wagners? Oder gibt es in dessen Themen- und sonorem Spektrum nicht auch Tendenzen, die der nationalsozialistischen Gedankenwelt ohnehin nah stehen?

Ein Erfahrungsraum zum Tabuthema Depression für taube und hörende Jugendliche und junge Erwachsene.

Mit „Schattenkompass“ wendet sich das Performancekollektiv Leute wie die explizit an ein junges Publikum. In dieser Stückentwicklung kann es den immer noch bestehenden Tabus rund um die Themen Depression und psychische Gesundheit begegnen und eine sinnlich-kreative Erfahrung mit ihnen machen. Lose angelehnt an ein Roadmovie und auf Basis von Interviews mit Jugendlichen und Erwachsenen sowie von literarischen Vorlagen, wird ein fantastischer Raum kreiert, der dunkle Gedanken nicht nur zulässt, sondern wertschätzt. Dabei nimmt das generationübergreifende und aus hörenden und tauben Menschen bestehende künstlerische Team Depression in ihrer Schwere ernst und begegnet seinem jungen Publikum auf Augenhöhe.

Machina Ex‘ Spiel über Vernetzung und Zusammenhalt in Krisensituationen angesichts einer Zeit der sich häufenden Cyber-Attacken.

In diesem kooperativen Theater-Game müssen 24 Spielerinnen und Spieler (und damit das gesamte Publikum) als Mitglieder einer fiktiven Lokalzeitungsredaktion die Auswirkungen eines Cyber-Angriffs umgehen.

Ziel ist dabei der Aufbau einer dezentralen, improvisierten Netzwerkstruktur – zwischen digitalem Brettspiel, Live-Performance und interaktivem Hörspiel gilt es das Rätsel zu lösen, wie die Redaktion ihre Recherche über einen Korruptionsskandal noch rechtzeitig vor der anstehenden Bürgermeisterwahl veröffentlichen kann. Das Publikum agiert selbst und bestimmt den Hergang des Geschehens. Zu diesem Zweck nutzen die Akteurinnen und Akteure auf ihren eigenen Smartphones eine von machina eX exklusiv für „Intranet“ programmierte App, über die sogar die Kommunikation mit den Cyberpiraten möglich ist.

„Lethe daheim“ von der Berliner Gruppe Lost & Found will dem Vergessen den Schrecken nehmen, indem Erinnern und Vergessen als einander bedingende und ablösende Vorgänge gekennzeichnet werden.

Das autobiografische Gedächtnis einer Person nutzt sowohl Erinnern als auch Vergessen, um eine zusammenhängende Lebensgeschichte über sich zu erzählen und eine Identität zu konstruieren. Diese Erzählung ist bei niemandem konsistent, sondern stets selektiv. Erlebnisse werden etwa verzerrt oder gar ersetzt. Demenzerkrankte sehen sich jedoch einer bedrohlichen Situation gegenüber, da in ihrem Fall die Anteile des Vergessens zunehmend Überhand nehmen, ihre Orientierung in der Welt sabotieren und grundlegende Fragen nach Identität aufwerfen, so zum Beispiel: Geht der Verlust der Erinnerung einher mit dem Verlust der Persönlichkeit?

Der Bildhauer Melvin Edwards gilt als Pionier der afroamerikanischen Gegenwartskunst. Seine abstrakten Arbeiten verweisen auf die US-Bürgerrechtsbewegung der 1950/60er Jahre und die Abschaffung der Rassentrennung. Nun zeigt sie das Kasseler Fridericianum.

Edwards wurde 1937 in Houston geboren. Mittlerweile weit über achtzig, ist er vor allem für seine Arbeiten aus der Serie „Lynch Fragment“ bekannt, für die er bevorzugt metallene Gegenstände wie Ketten, Haken und Scheren zu kleinformatigen, reliefartigen Wandarbeiten verschweißt. Diese Wandarbeiten sind klarer Ausdruck seines gesellschaftspolitischen und kulturellen Bewusstseins.
Seit den 1960er Jahren ist Edwards‘ Werk in den USA und immer wieder auch im ebenfalls kolonial geprägten Brasilien in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt worden, vereinzelt auch in europäischen Galerien.

In ihrer Interpretation von Edvard Griegs einzigem Liederzyklus inszeniert die norwegische Regisseurin Eline Arbo auf der Ruhrtriennale Musiktheater als Feier des Andersseins.

Ivo van Hoves Intendanz der Ruhrtriennale steht unter dem Motto „Longing for Tomorrow“. Eines der Highlights seiner ersten Spielzeit ist Eline Arbos Interpretation der „Haugtussa“ – ursprünglich ein auf dem Text des norwegischen Autors Arne Garborg basierender Liederzyklus für Sopran und Klavier, der einzige Zyklus des ebenfalls aus Norwegen stammenden Komponisten Edvard Grieg.

Haugtussa weiß schon als Mädchen, dass sie anders ist und in der Gemeinschaft keinen Platz findet. Haugtussa flieht in die Natur, sucht nach sich selbst und findet ihre erste große Liebe, die ihr noch mehr Schmerz bereitet. Sie ringt mit ihrer Andersartigkeit und verliert sich zwischen äußeren Erwartungen und inneren Visionen. Wie in einer Coming-of-Age-Geschichte findet Haugtussa bei Arbo jedoch aus den seelischen Konflikten heraus zu einer Klarheit, in der sie das Leben als so unlogisch wie pulsierend zugleich annehmen kann.